WELL ART - Ewelina Skowrońska: "Eu mergulho plantas em tecido. É como alquimia"

East–East não é mais uma tentativa de mitificar o Oriente e retratá-lo como um contraponto exótico ao Ocidente. Em vez de perpetuar estereótipos, o curador Paweł Pachciarek constrói uma narrativa do Japão através do prisma das histórias pessoais de artistas cujas vidas, embora de maneiras diferentes, estão interligadas com este país. Suas experiências de migração, redefinição de identidade e reenraizamento criam uma narrativa multifacetada sobre estar entre polos culturais, geográficos e linguísticos.

Entre os cocriadores das obras da exposição Leste-Leste está Ewelina Skowrońska, uma artista visual que retorna à cena artística polonesa após uma década vivendo e trabalhando no Japão. Seus tecidos tingidos à mão assumem a forma de totens contemporâneos e paisagens vegetais sobre seda, transmitindo uma mensagem de conexão espiritual. Por meio de composições orgânicas, ela fala sobre a necessidade de retornar a práticas simples enraizadas na natureza.

Pouco antes da cerimônia de encerramento, conversamos com a artista sobre o papel das técnicas tradicionais na construção de sensibilidades contemporâneas, a influência da estética japonesa em sua prática criativa e como a arte pode ser uma tentativa de organizar a realidade, tanto pessoal quanto coletiva.

Uma artista polonesa que viveu uma década no Japão. Como o Oriente mudou sua perspectiva sobre arte e vida?

Maria Jasek, Well.pl: "Leste–Leste" é a segunda exposição do seu trabalho no Museu Manggha. Desta vez, você é o único artista da Polônia. Que novidades você traz para a mesa, em termos formais, emocionais e temáticos?

Ewelina Skowrońska: Minha exposição anterior no Museu Manggha fez parte de um projeto iniciado no Japão, que produzi em conjunto com Monika Brauntsch, também atuante na Fundação Spirit of Poland. Era uma exposição intitulada "Força Interior – As Mulheres da Polônia e do Japão", dedicada a mulheres de duas culturas diferentes. Queríamos explorar suas experiências, necessidades e o que as une e diferencia. Convidamos cinco artistas do Japão e cinco da Polônia para participar, e a exposição se concentrou principalmente em ilustração e design gráfico.

Além do fato de Leste-Leste diferir do projeto anterior em termos de conteúdo, esta é a primeira grande apresentação do meu trabalho desde o meu retorno à Polônia, e a primeira tão claramente inserida no contexto polonês. Estou muito feliz que meu trabalho esteja sendo exibido como parte de uma discussão mais ampla sobre as relações Leste-Oeste, com referências ao Japão, mas também com um forte sotaque polonês.

Você se mudou para o Japão há 10 anos e ficou lá por um tempo. Era esse o plano?

Anos antes, durante minha primeira visita ao Japão, pensei brevemente: "Um dia, eu poderia morar aqui". E, de fato, alguns anos depois, esse sonho se tornou realidade, embora tenha sido o trabalho do meu parceiro que o ditou. É um pouco como uma história do tipo "cuidado com o que você deseja, pode se tornar realidade".

Isso aconteceu depois dos seus estudos de arte, então, do ponto de vista acadêmico, você já era um artista maduro. Como essa mudança cultural impactou seu trabalho? Ela o desenvolveu ou lhe deu uma direção completamente diferente?

Do ponto de vista acadêmico, sim, mas hoje sinto que meu amadurecimento artístico começou no Japão. Não quero idealizar e dizer que aquela cultura me mudou. Acredito que cada ambiente influencia uma pessoa — seja Londres, Polônia, Japão ou América do Sul. Tento abordar esse tipo de questão com cautela, porque não é como se eu tivesse "ganhado" alguma coisa. Foi, sem dúvida, uma etapa importante.

Minha longa permanência em uma cultura estrangeira, inicialmente sem qualquer chance de comunicação porque os japoneses falavam pouco inglês, tornou-se uma experiência de silêncio na qual eu me ouvia. Percebi então que eu era da Europa, da Polônia, que minha origem importava. Que o momento em que nasci também me moldou. Graças a essa oposição cultural e emocional, pude olhar mais profundamente.

Além disso, tornei-me mais sensível a coisas que são menos apreciadas na Europa. Artesanato, trabalho manual, paciência, atenção aos detalhes – lá, é um prazer, tratado como uma forma de arte, e o processo é tão importante quanto o resultado final. Também passei a prestar mais atenção à natureza, não de forma idealizada, mas como algo da qual fazemos parte.

Corantes naturais, seda e plantas: a arte de Ewelina Skowrońska como prática espiritual

Estamos aqui diante de tecidos que você tingiu com corantes naturais de plantas. Em seu trabalho, a natureza não só carrega significado, como também se torna uma ferramenta que você usa conscientemente para alcançar um efeito visual específico. O que é mais importante na interpretação das obras do Oriente-Oriente?

Os lençóis são feitos de seda, e a maioria dos corantes vem de plantas que eu mesma coletei. Inspirei-me na ideia de talismãs e totens — objetos que as pessoas buscam há séculos em busca de proteção, apoio, boas colheitas ou segurança. Queria criar versões contemporâneas que abordassem os desafios do mundo moderno.

Cada cor do tecido é baseada em plantas cuidadosamente selecionadas, conhecidas por seu uso em herbalismo e práticas espirituais. Estas são composições minhas, poções que, segundo a tradição, carregam energia e significado específicos.

Em um mundo repleto de incertezas, mudanças e uma sensação de perda, precisamos especialmente de lugares de consolo hoje. Espaços que nos permitam encontrar o invisível, o intuitivo e o difícil de racionalizar, mas profundamente sentido. Um tecido intitulado "Esperança" é um exemplo, pois é algo de que precisamos especialmente hoje. Outra obra aborda o conceito de fertilidade, entendido não apenas literalmente, mas também como potencial criativo, a capacidade de iniciar algo novo. Esta é a energia necessária para transcender padrões estabelecidos e nos abrirmos à mudança e à criação de novas formas de pensar.

Esse não é um processo demorado?

Sim. Utilizo técnicas tradicionais que exigem muito tempo, paciência e atenção total em todas as etapas do processo. Trabalho com plantas vivas, não com pigmentos prontos. Alguns eu mesmo colho, outros compro em lojas especializadas em plantas para tingimento. As plantas precisam primeiro ser secas e depois deixadas de molho por um longo tempo para preparar o banho de tingimento. Sob a influência da água e da temperatura adequada, elas se "abrem" e liberam os corantes. Em seguida, mergulho o tecido, previamente preparado para o tingimento, nesse banho.

É um processo alquímico lento e árduo, mas profundamente gratificante. Para mim, é uma espécie de diálogo, um encontro com as plantas — seres que trato como ancestrais, dos quais posso extrair conhecimento. Cada planta tem seu próprio caráter, personalidade e comportamento, então, apesar da meticulosidade do trabalho, o resultado final nunca é totalmente certo — e é essa imprevisibilidade que adiciona magia a todo o processo.

Esta não é a sua primeira vez trabalhando com plantas. Por que este tópico, e consequentemente este material, se mostraram tão importantes para você?

Esta é uma das razões pelas quais considero que amadureci artisticamente no Japão. Foi lá que comecei a trabalhar intensamente com plantas: pesquisando-as, estudando-as e aprendendo suas propriedades. Aqui, no East-East, posso apresentar na íntegra os resultados dessa jornada.

Na cultura japonesa, relacionar-se com a natureza não é tanto uma filosofia, mas sim um modo de vida e uma percepção fundamental do mundo. Lá, a natureza é profundamente respeitada, aliada à consciência de seu imenso poder. A natureza não é apenas uma fonte de beleza, mas também algo agreste e imprevisível. Terremotos e tufões são, afinal, ocorrências cotidianas.

Apesar dessas ameaças, ou talvez por causa delas, a natureza é tratada como parte inseparável da vida. Essa aceitação completa de todos os seus aspectos me impressionou profundamente. Acho que isso difere significativamente da abordagem ocidental, em que frequentemente percebemos a natureza como algo externo. Um lugar para onde "vamos" passar férias ou fins de semana, tratando-a como um espaço de relaxamento e fuga, em vez de uma parte necessária da nossa existência, sem a qual não podemos existir como humanos.

Arte como cooperação com a natureza, não como dominação

Da perspectiva da vida urbana, a proximidade com a natureza não é óbvia. Os moradores urbanos frequentemente pensam que é ali que a vida real acontece — que somente em uma cidade grande é possível realmente funcionar, se desenvolver e trabalhar. No entanto, essa é apenas uma verdade relativa e, além disso, tal escolha exige abrir mão de algo mais. Embora as cidades ofereçam áreas verdes, seus habitantes frequentemente perdem uma conexão profunda e cotidiana com a natureza. Suas obras abordam esse anseio, como se convidassem a um encontro íntimo com algo primitivo, tranquilo e autêntico. Como você percebe a relação entre humanos e natureza? O que isso significa para você?

Às vezes me pergunto se "relacionamento" é a palavra certa. Mas sim, é o termo certo, embora eu sinta mais fortemente que não estamos "do outro lado" da natureza. Somos parte dela. Todos nós. E, no entanto, frequentemente nos esquecemos disso. Nas últimas décadas, nossa civilização se concentrou no desenvolvimento da ciência, no pensamento racional e na ordenação do mundo de acordo com categorias patriarcais e binárias. Para mim, isso é uma simplificação enorme. Observando a natureza e o que acontece nela, é fácil perceber que nada é claro. Tudo pode ser "isso e aquilo" simultaneamente. A natureza pode ser gentil, proporcionando consolo e uma sensação de segurança, mas também brutal, destrutiva e imprevisível. Ela pode dar vida, mas também tirá-la. Essas qualidades opostas não são mutuamente exclusivas; elas coexistem, como a ideia de yin e yang. E é nessa ambiguidade que vejo a verdade.

Para mim, a natureza não é um mundo à parte, mas algo que nos sustenta e nos cria. Sem as plantas, não haveria humanos. Respiramos o ar que elas produzem, nos alimentamos delas e nos curamos graças a elas. A maioria dos medicamentos tem suas raízes nas plantas. Há apenas 150 anos, tingíamos tecidos com pigmentos naturais – um conhecimento outrora comum e vivo. Hoje, está quase completamente esquecido. Tento fazer referência a isso em meu trabalho, não para voltar ao século XVIII, mas para dizer algo importante sobre o futuro.

Eu me esforço para transcender modos de pensar antropocêntricos. Por exemplo, quando trabalho com plantas, não as trato como ferramentas de pintura. Elas não são meios para um fim — são minhas cocriadoras. Cada planta tem seu próprio caráter, personalidade e maneira de reagir a materiais e condições. É impossível controlá-la completamente. Claro, posso planejar certas etapas do processo, mas também preciso permitir que elas sejam elas mesmas — para remover meu próprio ego como artista. E é aí que vejo o significado desta colaboração. Não se trata de dominação, exploração ou pilhagem, como frequentemente fazemos com a natureza. Trata-se de parceria.

As plantas, sua estrutura e comportamento, contêm um vasto conhecimento e espiritualidade que esquecemos. E o mais importante: tudo está disponível. Você não precisa de cinco doutorados nem de viajar para a natureza. Está ao seu alcance. Basta parar e observar.

Papel washi, cerâmica e a filosofia do wabi-sabi

Já discutimos as diferenças entre a Europa e o Japão e como elas moldam a vida cotidiana e nossa percepção da natureza. Mas e quanto às exposições? Você já participou de inúmeras exposições no Japão – encontrou algum costume ou prática que o surpreendeu? Ou notou diferenças significativas em comparação com suas experiências em exposições na Europa?

Acredito que o mercado de arte japonês, como qualquer outro, tem suas próprias regras. Mas vale lembrar que o conceito de arte contemporânea no Japão é um fenômeno relativamente novo, de certa forma "importado" do Ocidente.

Tive a sorte de conhecer pessoas interessadas no meu trabalho. Em dado momento, duas amigas e eu alugamos um prédio em Tóquio e criamos nosso próprio espaço de arte. Era uma galeria, mas também um local para reuniões, pop-ups e conversas. Então, iniciei o projeto ONA Project Room – um espaço de apoio a artistas que se identificam como mulheres. Organizamos exposições uma vez por mês – algumas artistas eram convidadas, outras eram selecionadas por meio de editais abertos. O projeto durou quase três anos e, durante esse período, organizamos um número significativo de eventos.

Existem poucas iniciativas artísticas independentes e de base no Japão. Temos museus, galerias privadas e... basicamente isso. Há uma falta de apoio estatal na forma de financiamento público, então os artistas raramente criam seus próprios espaços, não apenas por razões financeiras, mas também culturais. É por isso que o ONA Project Room se tornou um espaço significativo em Tóquio, e acredito que tenha respondido a uma necessidade real da comunidade. Conseguimos criar algo valioso.

Essa é uma das lições que aprendi no Japão: se algo está faltando e você tem força dentro de você, vale a pena criá-lo.

Atualmente, você trabalha principalmente com tecido. Existe alguma outra técnica artesanal que lhe intrigue particularmente e que você gostaria de experimentar em seu próprio trabalho algum dia?

O Japão é um verdadeiro tesouro de artesanato, que me inspirou profundamente. Estudei gravura e, por muitos anos, administrei um estúdio em Tóquio, onde trabalhei, entre outras coisas, com xilogravura, uma técnica de impressão tradicional. E quando penso em xilogravura, imediatamente me vem à mente o papel washi. Tive a sorte de trabalhar com um mestre papeleiro que cultiva as plantas necessárias para sua produção. Sob sua orientação, criei as folhas eu mesmo. Esse processo, repleto de paciência e respeito — desde a coleta das plantas, a secagem na neve até o desenho à mão em água fria — me fez perceber quanto esforço e humildade são necessários para criar uma única folha de papel artesanal.

O mesmo aconteceu com a cerâmica, que explorei de perto. O processo de cozimento em várias etapas ensina a respeitar as coisas que tomamos como certas todos os dias e que muitas vezes jogamos fora sem pensar. Quem consertaria canecas da Ikea usando a técnica kintsugi, que envolve a colagem de peças quebradas com ouro? É um dos métodos que se alinha perfeitamente com a filosofia japonesa de "wabi-sabi", ou seja, apreciar as imperfeições e a beleza transitória das coisas.

Por respeito à tradição, não me aventurei imediatamente por uma das técnicas de tingimento mais conhecidas, o índigo, embora a ache fascinante. Pretendo participar de uma residência artística para explorá-la com mais consciência e ver como posso incorporá-la ao meu trabalho.

Leste-Leste em Cracóvia: os últimos dias de uma exposição que combina espiritualidade, arte e histórias de migrantes

East–East anuncia uma nova fase em seu trabalho — é sua primeira exposição desde que retornou definitivamente à Europa. Onde podemos ver seu trabalho em um futuro próximo?

No momento, estou viajando entre Londres e Wrocław, então estou apenas me adaptando. Já sei que em outubro meus trabalhos em papel serão apresentados em uma exposição organizada pela Camden Open Air Gallery como parte da Frieze Week em Londres. Um pouco mais tarde, no início do ano que vem, uma peça minha em tecido será exibida em uma exposição dedicada especificamente a tecidos em uma galeria em Varsóvia.